世界民族音樂跨界創作手法之四大階段
文｜楊易修
身為音樂創作者，如果今天收到一個需求，是要創作「某地區的音樂」，你會怎麼做？
如果要快速有效，直接找到對應的配器和音階應該最簡單，若有餘裕，也可以大致蒐羅一些標誌性的節奏。但，下一步呢？這些節奏的重拍和平常習慣的相同嗎？（例如甘美朗音樂最低音的大鑼並不是在大部分人習慣的第一拍）如果作品篇幅沒有過短，曲式上是不是有什麼可以發揮的（好比一首完整的北印度古典音樂習慣以緩慢、空靈的即興開始，凱爾特音樂則喜歡聚集多首小曲子不停歇連著演）。
要讓案主得到想要的聲響不難，但要做到認真對待自己的創作，我認為要能理解自己運用的每個元素。所以這篇文章嘗試將現今常用的跨界手法，分類為有順序性的四大階段，藉此來聊聊我認為值得探討的跨界音樂與他們所使用的技巧。
首先，需要鄭重強調以下的階段並無好壞之分，高階也不代表「優於」低階。如果硬是需要評斷，則純粹看應用在創作上的效果合適與否。
再者，各階段的技巧得以混合使用，並不相互排斥。故以下討論將會聚焦在該曲目的「特定部分」而非全貌。
- 第零階段：移植樂器演奏同樣樂段
- 第一階段：音階、節奏等顯性元素
- 第二階段：合奏的織體、曲式
- 第三階段：樂器意涵、歷史背景等文化層面因素
第零階段
MINYO CRUSADERS（民謡クルセイダーズ） — Aizubandaisan（会津磐梯山）
維持旋律進行改編
前奏的多重元素讓聽眾摸不著頭緒：像是騷莎（Salsa）的打擊節奏、管樂器卻帶出略帶中東風味的旋律音階，巧妙地錯開聽眾的期待，沒想到進主歌令大夥跌破眼鏡，竟然是來自日本福島縣的民謠〈會津磐梯山〉。間奏甚至還引用爵士老前輩艾靈頓公爵（Duke Ellington）的〈Caravan〉，如此跳躍式的引用，令我想起臺灣在解嚴後發展的拼貼式音樂（如豬頭皮的〈新草螟雞公夢〉）。
Anda Union — Give You A Rose
維持旋律進行改編
名聲遠播至太平洋另一端、來自內蒙古的蒙古傳統音樂跨界樂團 Anda Union，將取材自新疆塔吉克族民謠的旋律做了全新的詮釋。
以數把馬頭琴為主角，有別於東方音樂單一旋律線的刻版印象，此處納入大量的西方和聲（三度和音）與副旋律插音的觀念，稍微讓織體交響化，以疊高低八度旋律等方式，使通常演奏同音域的馬頭琴們，能錯開把位，在音域上擴展，也另外放入弓擊琴弦發出的短跳音等西式技巧。
天地雅楽 — ホルスト組曲「惑星」より「木星」
維持旋律進行改編
由日本雅樂的木管樂器，詮釋英國作曲家霍爾斯特（Gustav Holst）著名的《行星組曲（The Planets）》中的〈木星 — — 歡樂使者（Jupiter — The Bringer of Jollity）〉片段。
篳篥、龍笛、鳳笙，保有雅樂管樂齊奏時，三樣樂器各自的特色，即篳篥與笛以八度交疊主旋律，讓鳳笙堆疊日本雅樂標誌性的和弦音堆「合竹（あいたけ）」，而非以笙演奏西式和弦進行。
第一階段
LEENALCHI（이날치） — Tiger Is Coming（범 내려온다）
引用聲樂唱腔
朝鮮半島著名的說唱藝術盤索里（Pansori），傳統演出形式只有一位主要說唱者輔以一位坐姿擊鼓，LEENALCHI 則在編制上豐富化，以三位主要女歌者搭配男歌者為主角，甚至有少見的雙貝斯組合。
這首曲目取材自現存五首傳統曲目之一《水宮歌（Sugungga；수궁가）》中關於老虎下山的章節，直接引用盤索里的唱腔和生動的表達方式融入富有穩定、持續節奏的當代音樂之中。
ZHI16 — 游乐场
取樣聲響
取樣中國民謠、中國樂器並且加上倒轉（Reverse）等各式效果，再佐以聲景、聲響、對話。
使用取樣電音製作人絕對不在少數，我個人另外非常喜歡北京的 Howie Lee 跟法國的 Nicola Cruz，通常這類型的取樣在豐富音色和地域指涉的目的上，總能取得極大的效果。
Vision String Quartet — Samba
移植節奏
整首的編制和技巧非常單純，即利用弦樂四重奏的撥奏（Pizzicato）保持森巴（Samba）的舞動感，從頭到尾始終如一，一如森巴遊行中不曾冷卻的熱情氛圍。
由中提琴開場，演奏常見於吉他上的標誌性的節奏型態 Partido Alto，大提琴走的旋律線條也是森巴式的一、五度，節奏則完全貼合森巴的鼓點。
黃明志 — 閔閣拉巴
使用傳統樂器
緬甸豎琴，常同時演奏主旋律的高低八度音，並偶有琶音，但和弦上趨於單一，思考上也是以旋律線條為首要考量。而本首曲目中，確實保留部分快速琶音的裝飾，以及左手抖音的手法，然而也融入流行音樂常見的旋律插音、甚至以與木吉他合作，組合出西方分散和弦的方式伴奏。
黃明志的《亞洲通吃》系列看似簡單有趣地調侃亞洲各地區的語言、風俗以及音樂，其實從跨界音樂的角度來看頗有巧思。
第二階段
Nightwish — Over The Hills And Far Away
引用曲式
由芬蘭交響金屬樂團 Nightwish 改編的〈Over The Hills And Far Away〉，看似是首 68 拍的搖滾曲目，事實上卻可以找出許多凱爾特（Celtic）音樂中的元素。
讓我們先來聽間奏段：凱爾特音樂一大的特色，是在一首曲目中歸納出兩大部分（稱 A 與 B 段）並且以「AABB」的順序反覆演奏，正好符合這段間奏的前半部。同時，旋律的節奏是非常明確的吉格舞（Jig，此處為 Double Jig），甚至也沒有明確的和弦，符合傳統音樂缺乏和聲開展的樣貌。接著再把前面段當成間奏的引子，發展間奏的後半段，用搖滾樂的習慣延續著力道，開始電吉他 Solo。
放寬到整首曲子來看，也是非常顯著的吉格舞，畢竟曲目作者 Gary Moore 就是來自北愛爾蘭的音樂家，並且在原作上有更多凱爾特器樂的演繹。
王辰威 — 《阿勒頗》三弦協奏曲（臺北市立國樂團演奏）
使用特定音階
這首曲目由新加坡新銳作曲家創作，搭配影片譜面欣賞，必然會同意他對中東音樂做了深入的研究，此處主要僅討論在音階上的使用。以同是無琴格的三弦模仿烏德琴的微分音演奏，各種中東調式之間的轉換運用非常細緻。
事實上，像是作者在介紹中提出 Saba 調式象徵的傷感，都不難看出他著重在這些音階分別的背景意涵甚至歷史典故，不過這比較算在我認為第三階段的跨界範圍，此處光是各式中東調式音階的應用就已經出類拔萃。
Clap! Clap! — (P) Playfulness
複節奏特色運用
這裡的節奏特徵，並非是引用單一、特定的地區節奏型態，反而是善加利用非洲音樂「複節奏（Polyrhythm）」的音樂特點。從這個大而廣概念出發，逐漸發展出不同拍數的循環，在交錯之中創造協和。
先是由二、四拍子的算法出發，接著疊進三、六拍的節奏，而拇指琴的旋律讓整體感受鎖定在四拍一組的律動。
Nahre Sol — First Tango
使用和聲進行與力度特色
鋼琴本來就是探戈（Tango）當中會使用到的樂器，但是這首曲子試圖展現作曲家對探戈的「印象集合」，而非僅為模擬單一風格。節奏上使用了探戈節奏的習慣，比如在一拍一下、等重的低音節奏中，拉長音而不演奏跳音（Staccato）；和聲進行類似於大部分歐洲民謠，在一級與五級之間徘徊；總是在力度的動態上琢磨再三。
Nahre Sol 是位特別的鋼琴家，雖然主要是古典鋼琴出身，卻花了非常多時間充實自己在作曲、流行音樂和世界音樂領域等範疇，這部影片前半部講述她簡單學習探戈的經歷，從歷史、社會意涵出發，到大大小小的音樂特徵、編制和樂器等範疇，這樣的學習步驟，對於一個特定曲風的外行人來說，我認為非常值得參考。
第三階段
這個部分討論起來更加主觀，甚至有點虛無縹緲、難以歸類判斷基準，不過大致上，我會認為這一階段的跨界音樂，將素材擷取到更深入，並且移植到其他樂器上後重新設計的企圖更明確。
Ibrahim Maalouf — Beirut
改造樂器
中東世界的微分音（Microtone）遠不如想像中單純，絕對不是將十二平均律下的半音再對切一半就了事，每個音之間略為高低的差異都反映在各地的特色中。這部分可以直接分成三大區塊來討論，分別是以埃及為主的阿拉伯世界、伊朗與土耳其，各個文化區都有自己習慣的音程樣貌。
Ibrahim Maalouf 手上這支改造的小號可以說是這位演奏家最大的特色之一，他採納由其父親提出的想法：在小號上外加一個活塞，由左手食指演奏。類似的作法也可以參考黎巴嫩鋼琴演奏家 Tarek Yamani。
A.R Rahman, Ustad Ghulam Mustafa Khan — Aao Balma
移植演奏手法
吉他手 Ramaswamy Prasanna 熟習南印度卡納提克（Carnatic）音樂與爵士樂，在這段吉他即興獨奏上使用大量的滑音技巧，很明確地模擬西塔琴的演奏方式，而不只是純粹擷取裝飾音放入既定旋律。
貫穿全曲的調式是卡納提克地區 Raga 中的 Kalyani（北印度稱 Yaman，基本上等價於西方教會調式的 Lydian），不過這個 Raga 在錄影演奏時是否有嚴格遵守對應的季節與時間，就不得而知了。
此外，坊間甚至有模仿西塔琴的效果器，這些由共鳴弦帶來音色上的神祕色彩，更能直接傳達印度半島的體驗：
Maurice Ravel — Alborada Del Gracioso
拆解聽覺聲響效果並重組
除了能見度頗高的比才（Georges Bizet）的《卡門（Carmen）》以外，法國作曲家拉威爾（Maurice Ravel）也在巴斯克地區長大，所以作品中有西班牙音樂的特色並不奇怪。
舉例而言，開頭呈現的和弦，音程上的不和諧來自佛朗明哥（Flamenco）吉他演奏時，常使用到空弦音而組成的聲響，而時值短的特色，則可以視為模仿同樣出自佛朗明哥吉他的手法 Rasqueado。
十九、二十世紀以後，西方的古典音樂家更積極且更具創意地使用世界音樂素材，如大家熟知的德布西（Claude Debussy）在聽過中爪哇甘美朗之後大受啟發。
英國作曲家 David Bruce 在以下這支影片中詳細地講解這首曲目，同時對比管弦樂的版本：
不可諱言，創作跨界音樂的理由，有一部份是因為不可能寫出純粹的傳統音樂。但我認為這種想法並不可恥，畢竟每次遇上新東西，都是個很好的學習起點，受制於時間有限的前提下，人們不妨把握住自己能有興趣的事物，實現盡量深入的認識即可。
要學習一個曲風「聽上去就像的」的裝飾音有多難？曾有京劇樂手告訴我，戲曲人的活都在手上，給的譜過於詳細就會成為限制，那是一輩子的累積，我們必然只可遠觀。所以我在創作跨界音樂當中，最在乎的，是對不對得起這個文化，以及心態上足不足以給自己的作品有個交代。
把握每一絲好奇心，任何一個小聲音都能激發自己想像出一個新世界。
我是楊易修，現在是有序音樂的音樂總監，以學習世界民族音樂、傳承與發揚其文化、並融合創作出全新的聲響為志業。
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